Las mujeres artistas han tenido papeles de gran importancia en la historia del mundo y que han cambiado el rumbo de muchos eventos que han marcado la historia, queremos reconocer a las mujeres que revolucionaron la cultura del arte para tener inspiración de las que se atrevieron a hacer el cambio en lo que más les apasionaba.
Artemisa Gentileschi
Esta artista desarrolló sus habilidades gracias al taller que tenía su padre, en cada una de sus pinturas podemos notar que la mujer es la protagonista de cada una de sus artes, así como también su gusto por el estilo dramático en el que se inspira.
Cabe destacar que Artemisia Gentileschi es nombrada la primera mujer en ingresar a la Academia del Disegno de Florencia, lo cual generó una comparación con el pintor Michelangelo Merisi da Caravaggio.
Georgia O’Keeffe
Georgia O’Keeffe nació en Wisconsin en 1887. De 1905 a 1906 estudió en el Art Institute of Chicago y de 1907 a 1908 en la Art Students League de Nueva York. Originalmente, estudió pintura realista y comenzó a romper con la tradición en 1912 después de conocer las ideas de Arthur Wesley Dove. En un esfuerzo por crear arte que expresara sus pensamientos e ideas, se dedicó por completo al arte abstracto y en 1915 se convirtió en una de las primeras artistas estadounidenses en practicar la abstracción pura.
O’Keefe es una de las artistas más importantes del siglo XX, reconocida por su contribución al modernismo estadounidense. Durante su carrera, creó más de 2000 obras de arte, especialmente con paisajes y temas de flores, huesos, rascacielos de N.Y. y el suroeste de E.U.
Frida Kahlo
Estuvo rodeada de los grandes muralistas mexicanos de su época y compartió sus ideales, creó una pintura con marca personal, ingenua y metafórica. Surgida de su sublime sensibilidad y de los diversos acontecimientos que caracterizaron su vida. A los dieciocho años, sufrió un grave accidente, que la obligó a pasar por un largo período de recuperación, durante el cual aprendió a pintar, lo que pudo haber influido en el complejo mundo psicológico reflejado en sus obras.
Incapaz de levantarse de la cama mientras se recuperaba del accidente, comenzó a pintar con ella misma como modelo principal.
Este fue el comienzo de una serie de autorretratos, tema que domina la mayor parte de su obra, que es esencialmente autobiográfica.
“Me imagino a mí misma porque paso mucho tiempo sola porque soy la razón por la que sé mejor”
Leonora Carrington
La vida de Leonora Carrington es tan fascinante como su obra. Pintora, escultora y escritora interesada en la magia, el folklore y el ocultismo, Carrington no solo desafió las normas sociales impuestas a las mujeres en la primera mitad del siglo XX, sino que también desafió a las grandes figuras de su tiempo. El surrealismo es conocido por su perspicacia inquebrantable, talento ilimitado y espíritu inquebrantable. Leonora Carrington, nacida en Gran Bretaña, pero nacida en México, es conocida por su imaginería expansiva y sus exquisitas composiciones llenas de composiciones de ensueño.
Durante su carrera, creó decenas de pinturas y esculturas. A pesar de su vejez, el artista siguió trabajando, haciendo las tareas del hogar. Leonora Carrington murió en 2011 a la edad de 94 años, por lo que algunos creen que fue la última de los surrealistas.
Hoy, la obra de Leonora Carrington forma parte de las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Tate Modern de Londres, la Colección Peggy Guggenheim de Venecia y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Las esculturas en bronce realizadas en las últimas décadas de su carrera iluminan los paisajes de varias ciudades mexicanas, entre las que destaca el “cocodrilo” que decora la Avenida de la Reforma, una de las principales calles de la Ciudad de México.
Louise Bourgeois
Lo que es más importante, su trabajo escultórico continúa influyendo en los artistas contemporáneos, transponiendo de cerca muchas de las mismas preocupaciones personales y artísticas que sus esculturas a través de su obra gráfica.
Experimentadora entusiasta, utiliza una variedad de técnicas de grabado que incluyen punta seca, aguafuerte, relieve y litografía. Las obras de Bourgeois surgen de la necesidad de dejar constancia de sus sentimientos, y nunca separó arte y vida.
Puramente autobiográfica, su obra fue también un importante medio de catarsis y canalización de instintos primarios, ya que descubrió a temprana edad que el trabajo físico podía mitigar la sensación de impotencia que la dominaba. Por eso, afirmó: “No soy yo, soy lo que hago con mis manos”.
Las obras del artista se pueden encontrar en muchas colecciones de todo el mundo, incluido el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York; Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington; Museo de Bellas Artes, Houston, Colección Davos, Zúrich, Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea Palazzo Forti, Verona o St. Museo de Arte de San Luis, St. Museo Louis o Whitney de Arte Americano de Nueva York.
Helen Frankenthaler
Nacida en una época en la que la educación de las niñas estaba estrictamente regulada, la artista siguió la corriente y dejó que su creatividad le marque el camino, así fue como se convirtió en uno de los máximos exponentes del expresionismo.
“No hay reglas. Así es como nace el arte, como suceden los avances. Ir contra las reglas o ignorar las reglas. De eso es de lo que tratan los inventos.”
Frankenthaler hizo que las pinturas al óleo parecieran acuarelas pintando directamente sobre un lienzo sin preparar, permitiendo que el material absorbiera la pintura. Diluyó mucho la pintura con trementina o queroseno para que la pintura pudiera fluir en el lienzo.
A partir de los años 50, la pintura de Helen Frankenthaler se hizo más densa, sin embargo, recuperó parte de su identidad en pinturas como El jardín del Edén (1956) y Desnudo (1958), que muestran la tendencia de Helen Frankenthaler a dejar la mayoría de sus lienzos desnudos. De esta forma, el artista logra la misma representación de las partes pintadas del lienzo que de las partes no pintadas.
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